videoinstallazione di Elisabetta Di Sopra
Museo Archeologico Nazionale di Venezia
15 luglio 2021 – 9 ottobre 2021
La proposta di Elisabetta Di Sopra è un lavoro che tocca aspetti di grande rilevanza per una istituzione per le arti. Il primo, biograficamente il più diretto, riguarda il ritrovato rapporto fra un’artista che si è avviata da anni lungo un proprio intenso percorso professionale e l’istituzione nella quale si è formata, l’Accademia di Belle Arti di Venezia. Un esempio, quello di Elisabetta Di Sopra, che indaga sulla questione del rapporto fra formazione e professione, con ciò che significa per l’Istituzione veneziana il poter considerare l’evoluzione del rapporto con coloro che hanno frequentato le sue aule, così da aggiornare la sequenza dei maestri e degli allievi di grande qualità che ne hanno contraddistinto la storia dal 1750.
Una storia che non smette dunque di riscriversi, prolungando, idealmente, l’elenco dei nomi scolpiti sulla lastra all’ingresso nella vecchia sede dell’Istituzione in Campo della Carità. Nel caso specifico di Elisabetta Di Sopra si tratta di un esempio particolarmente calzante perché ritorna effettivamente nei luoghi della formazione: un’aula dove si svolge l’insegnamento di Anatomia Artistica diventa il luogo della messa in scena per una lezione animata solo dalle lente movenze di una modella in posa, la cosiddetta ‘modella vivente’ che si distingue dagli altri modelli ‘non viventi’ rappresentati dai gessi, copie di capolavori dell’arte del passato, collocati in quei medesimi spazi, imitando i quali ci si educava alle arti. L’anatomia artistica è una disciplina antica, non meno dell’imitatio o della mimesis, disciplina che può suonare desueta considerando l’attenzione contemporanea ai nuovi media e l’emancipazione da aspetti più tradizionali delle arti.
E invece, per quelle interne dinamiche che sono proprie dell’arte, grazie alle quali niente può effettivamente considerarsi ‘passato’, è proprio dalla distanza che inizia il percorso di riavvicinamento. Le posture assunte dalla modella durante una lezione di anatomia vengono evidenziate grazie alla capacità di osservazione della videomaker; la pluralità dei punti di vista viene restituita dall’utilizzo di più schermi, che compongono una sorta di trittico tecnologico. Così come non era un luogo qualsiasi quello nel quale il lavoro è stato girato, è ancor meno un luogo qualsiasi quello che ospita l’opera della Di Sopra.
Alcuni capolavori classici del Museo Archeologico, o meglio alcune posture fissate per sempre dall’arte statuaria antica, entrano in relazione con il presente avendo come medium un’opera contemporanea che mette in scena un corpo in posa. Ha a che fare con il tempo il lavoro che si espone nelle sale del Museo Archeologico, il tempo lento del soggetto ritratto dall’artista, il tempo esteso, dilatato, da cui provengono le opere classiche nelle sale. Tempi che per un momento scorrono paralleli, convivendo davanti agli occhi del visitatore.
Riccardo Caldura
Direttore dell’Accademia di Belle Arti di Venezia
Elisabetta Di Sopra’s proposal is a work that touches on aspects of great relevance for an institution for the arts. The first, biographically the most direct, concerns the rediscovered relationship between an artist who has been on her own intense professional path for years and the institution in which she trained, the Accademia di Belle Arti di Venezia. Elisabetta Di Sopra’s example investigates the question of the relationship between training and profession, with what it means for the Venetian institution to be able to consider the evolution of the relationship with those who have attended its classrooms, so as to update the sequence of masters and pupils of great quality that have marked its history since 1750. A history that never stops being rewritten, ideally extending the list of names engraved on the slab at the entrance to the institution’s old headquarters in Campo della Carità. In the specific case of Elisabetta Di Sopra’s work, this is a particularly fitting example because it effectively returns to the places of education: a classroom where Artistic Anatomy is taught becomes the setting for a lesson animated only by the slow movements of a posing model, the so-called ‘living model’, who stands out from the other ‘non-living’ models represented by the plaster casts, copies of masterpieces of art of the past, placed in those same spaces, by imitating which we educated ourselves in the arts. Artistic anatomy is an ancient discipline, no less so than imitatio or mimesis, a discipline that may sound outdated considering the contemporary focus on new media and the emancipation from more traditional aspects of the arts. Instead, because of the internal dynamics of art, thanks to which nothing can really be considered ‘past’, it is precisely from the distance that the journey of rapprochement begins. The postures assumed by the model during an anatomy lesson are highlighted thanks to the videomaker’s capacity for observation; the plurality of viewpoints is rendered by the use of several screens, which make up a sort of technological triptych. Just as the place where the work was filmed was not just any place, the place that hosts Di Sopra’s work is even less so. Some classical masterpieces in the Archaeological Museum, or rather some postures fixed forever by ancient statuary, enter into relation with the present, having as their medium a contemporary work that stages a posed body. The work exhibited in the rooms of the Archaeological Museum has to do with time, the slow time of the subject portrayed by the artist; the extended, dilated time from which the classical works in the rooms come from. Times that run parallel for a moment, coexisting in front of the visitor’s eyes.
Riccardo Caldura
Director of the Academy of Fine Arts in Venice
Nel video trittico di Elisabetta Di Sopra si osserva una modella non più giovane, a figura intera e in dettagli del suo corpo, in un’aula dell’Accademia di Belle Arti, fra arredi accatastati, una statua in gesso, disegni e sullo sfondo uno scheletro per lo studio dell’anatomia. La sua bellezza è stata trasformata dal tempo e la posa ha una durata breve: non ci sono allievi perché tutti noi rivestiamo la loro parte e completiamo automaticamente col nostro sguardo l’opera.
Dunque veniamo idealmente fatti entrare nel luogo deputato a studiare “il limite”, inteso come linea e disegno: ma “il limite” è soprattutto l’elemento necessario cui deve ricorrere la nostra percezione visiva per cogliere le forme. Attraverso la metafora dell’arte la Di Sopra ci ricorda una condizione propria dell’uomo. Se nel video notiamo il leggero movimento, le vibrazioni della modella, la sua collocazione nel Museo Archeologico di Venezia sollecita a osservare la fissità delle immagini delle sculture. La premessa necessaria di quelle statue – originali o copie che siano – è che vi furono appunto modelli in carne e ossa, con linee viventi che consumarono il loro tempo, e che gli artisti fissarono nel marmo.
Quanto è elegante e leggera questa immagine offertaci dall’artista, tanto è profondo il tema. Del resto “ogni limite ha una pazienza”, diceva Totò: è proprio vero e tendiamo a dimenticarcene. Abbiamo volentieri accolto questa sollecitazione contemporanea di Elisabetta Di Sopra, in collaborazione con l’Accademia di Belle Arti di Venezia, perché interloquisce con efficacia con le sculture del museo apportando nuove emozioni e motivi di riflessione attraverso queste immagini.
Daniele Ferrara
Direttore regionale Musei Veneto
In Elisabetta Di Sopra’s triptych video we see a no-longer-young model, full-length and with details of her body, in a classroom at the Academy of Fine Arts, amidst stacked furniture, a plaster statue, drawings and a skeleton for the study of anatomy in the background. Her beauty has been transformed by time and the pose is short-lived: there are no pupils because we all play their part and automatically complete the work with our gaze. So we are ideally brought into the place appointed to study “the limit”, understood as line and drawing: but “the limit” is above all the necessary element that our visual perception must use to grasp the forms. Through the metaphor of art, Di Sopra reminds us of a human condition. If in the video we notice the slight movement, the vibrations of the model, her location in the Archaeological Museum of Venice urges us to observe the fixity of the images of the sculptures. The necessary premise of those statues – whether originals or copies – is that there were indeed flesh and blood models, with living lines that consumed their time, and that the artists fixed in marble. Just as the image is elegant and light so the theme is profound. After all, Totò used to say that “every limit has a patience”: this is very true and we tend to forget it. We have gladly accepted this contemporary work by Elisabetta Di Sopra, in collaboration with the Accademia di Belle Arti di Venezia, because it effectively interacts with the sculptures in the museum, bringing new emotions and reasons for reflection through these images.
Daniele Ferrara
Regional Director Museums Veneto
L’installazione IL LIMITE di Elisabetta Di Sopra, accolta nella sala VIII del Museo Archeologico Nazionale di Venezia, rientra nell’idea di una rassegna #nuovisguardisulmuseo, che coniuga opere dell’antichità classica a espressioni artistiche contemporanee. Questo percorso intrapreso nel novembre 2019 ha aperto le porte dell’Istituzione alla performance musicale di Gerardo Balestrieri ispirata ad Hugo Pratt e ai viaggi avventurosi di Corto Maltese, al trailer del film che sarà tratto dal romanzo di Stella Nosella, Sebastian’s Chronicles. Lo scrigno d’avorio, ambientato in Museo, alla rassegna di Cà Foscari Film Festival curata da Roberta Novielli, all’esposizione PAST FORWARD, curata da Luca Berta e Francesca Giubilei, tra i percorsi cittadini della terza edizione di Venice Design Biennial. Altre iniziative collegate ai tradizionali appuntamenti veneziani sono a calendario nei prossimi mesi. #nuovisguardisulmuseo intende coinvolgere pubblici diversi e rafforzare i legami con la città e il territorio, fidelizzando maggiormente i visitatori di prossimità. La condizione richiesta per accogliere proposte ed eventi è quella di rappresentare un valore aggiunto alla visita attraverso relazioni esplicite con la storia del Museo e le sue collezioni. A questa filosofia si ispira l’opera IL LIMITE di Elisabetta Di Sopra. Tre monitor presentano in movimento il corpo nudo della modella ritratta dagli allievi dell’Accademia di Belle Arti di Venezia: un’immagine viva accanto a opere del passato immobili, ma vive nell’immaginario e nelle emozioni dei visitatori che le osservano. I video sono ambientati nella sala che ospita statue femminili di età imperiale romana, tra cui la famosa Leda con il cigno della collezione di Giovanni Grimani, la Venere marina della collezione di Gerolamo Zulian, copia da un originale greco della metà del I secolo a.C., restaurata dal Canova ed altre opere identitarie del Museo. Tra queste, l’Ulisse Grimani, divenuto logo del progetto Terre d’acqua, terre nell’acqua. Delta del Po e Venezia, promosso dall’Ente Parco Regionale del Delta del Po che unisce i Musei Archeologici Nazionali di Venezia, Adria e di Altino e il Civico archeologico di Comacchio nella candidatura a Marchio del Patrimonio Europeo 2021. E ancora le tre statue dei Galati delle raccolte Grimani, parte di un gruppo di dieci esemplari scoperti a Roma nel 1514 e acquistati dai Medici. Le sculture realizzate nel II secolo d.C. sono copie dei capolavori ellenistici realizzati per il Donario offerto da Attalo I, re di Pergamo, nell’Acropoli di Atene, come memoria delle sue vittorie, simbolo del trionfo della civiltà, rappresentata dal mondo greco, contro la barbarie, identificata con i Galati vinti.L’installazione IL LIMITE nel nostro intento richiama la consuetudine degli artisti di trarre ispirazione dall’Antico, aspetto estremamente radicato a Venezia e ben rappresentato nel Museo Archeologico, un tempo Statuario della Serenissima, realizzato nel 1596 con le donazioni Grimani. Le sculture esposte mostrano la mano di artisti veneziani, come Tiziano Aspetti, Alessandro Vittoria, Tullio Lombardo, fino al Canova, che intervennero con restauri e ricostruzioni per dare vita ad opere frammentarie, reinterpretando soggetti, adattandoli all’immaginario dei proprietari collezionisti, creando connessioni più o meno arbitrarie.
Le opere più ammirate delle collezioni veneziane furono fonte di studio e di ispirazione per artisti italiani e stranieri. Ricordiamo tra tutte la testa-ritratto dell’imperatore romano Vitellio, appartenuta al cardinale Domenico Grimani, che venne riprodotta in disegni e dipinti da Jacopo da Bassano, Tintoretto, Palma il Giovane, Rubens, e compare in numerose composizioni artistiche dal Rinascimento al Novecento.
Il nostro augurio è che questa iniziativa, condotta in sinergia con l’artista e l’Accademia di Belle Arti di Venezia, riporti i giovani alle consuetudini di osservazione, studio, riproduzione delle opere antiche come avviene nelle sale delle Accademie di Belle Arti e siano occasione per suggellare una nuova proficua collaborazione tra il Museo e l’Accademia veneziana. Nicoletta Giordani
Direttore Museo Archeologico Nazionale di Venezia
The installation “IL LIMITE” by Elisabetta Di Sopra, welcomed in room VIII of the National Archaeological Museum of Venice, is part of the idea of #nuovisguardisulmuseo review, which combines works of classical antiquity with contemporary artistic expressions. This journey undertaken in November 2019 opened the doors of the Institution to different performaces such as Gerardo Balestrieri’s musical performance inspired by Hugo Pratt and the adventurous travels of Corto Maltese, the trailer for the film based on Stella Nosella’s novel, Sebastian’s Chronicles. Lo scrigno d’avorio, set in the Museum, the Cà Foscari Film Festival curated by Roberta Novielli, the exhibition PAST FORWARD, curated by Luca Berta and Francesca Giubile and the third edition of Venice Design Biennal. Other initiatives linked to the traditional Venetian appointments will be scheduled in the next months. #nuovisguardisulmuseo intends to involve different audiences and to strengthen the links with the city and the territory, increasing the loyalty of visitors from the surrounding area. The condition required to welcome proposals and events is to represent an added value to the visit through explicit relationships with the history of the Museum and its collections. This philosophy inspires the work IL LIMITE by Elisabetta Di Sopra. Three monitors show the nude body of the model in motion, portrayed by the students of the Accademia di Belle Arti di Venezia: a living image next to immovable works of the past, but alive in the imagination and emotions of the visitors who observe them. The videos are set in the room that houses female statues from the Roman imperial age, including the famous Leda with a swan from the collection of Giovanni Grimani, the Venus Marina from the collection of Gerolamo Zulian, a copy of a Greek original from the middle of the 1st century BC, restored by Canova, and other works that are identifiable to the Museum. These include the Ulisse Grimani, which has become the logo of the project Terre d’acqua, terre nell’acqua. Delta del Po e Venezia, promoted by the Ente Parco Regionale del Delta del Po which unites the National Archaeological Museums of Venice, Adria and Altino and the Civico Archeologico di Comacchio in the candidature for European Heritage Label 2021. There are also the three statues of the Galatians from the Grimani collections, part of a group of ten specimens discovered in Rome in 1514 and purchased by the Medici. The sculptures, made in the 2nd century AD, are copies of Hellenistic masterpieces made for the Donario offered by Attalus I, King of Pergamum, in the Acropolis of Athens, as a memorial to his victories, a symbol of the triumph of civilisation, represented by the Greek world, against barbarism, identified with the defeated Galatians. The installation THE LIMIT in our intention recalls the artists’ habit of drawing inspiration from Antiquity, an aspect extremely rooted in Venice and well represented in the Archaeological Museum, once the Statuary of the Serenissima, created in 1596 with the Grimani donations. The sculptures on display show the hand of Venetian artists, from Tiziano Aspetti, Alessandro Vittoria, Tullio Lombardo, to Canova, who intervened with restorations and reconstructions to give life to fragmentary works, reinterpreting subjects, adapting them to the imagination of their collector owners, creating more or less arbitrary connections. The most admired works in the Venetian collections were a source of study and inspiration for Italian and foreign artists. One of these is the portrait-head of the Roman Emperor Vitellius, which belonged to Cardinal Domenico Grimani, and which was reproduced in drawings and paintings by Jacopo da Bassano, Tintoretto, Palma il Giovane, Rubens, and appears in numerous artistic compositions from the Renaissance to the 20th century. Our hope is that this initiative, conducted in synergy with the artist and the Venice Academy of Fine Arts, will bring young people back to the habits of observation, study and reproduction of ancient works as they are found in the halls of the Academies of Fine Arts and will be an opportunity to seal a new fruitful collaboration between the Museum and the Venetian Academy.
Nicoletta Giordani
Director of the National Archaeological Museum of Venice
Orari di apertura
tutti i giorni dalle 11:00 alle 17:00
(ultimo ingresso ore 16:00)
Piazza S. Marco 17/52
30124 Venezia
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“We Exhibit S.r.l. è una società specializzata nella gestione, progettazione e allestimento di mostre culturali, sia in Italia che all’estero. Nasce nel 2015 a Venezia dalla collaborazione di tre professionisti con una forte passione per il mondo dell’arte e della cultura. Da allora We Exhibit è stata responsabile dell’organizzazione, allestimento e promozione di numerosi progetti espositivi e avvia collaborazioni continuative con istituzioni culturali come la Triennale di Milano e la Biennale di Venezia. Tra i suoi più recenti contributi, annovera Earth Speakr, un progetto artistico e culturale realizzato dall’artista e ambientalista Olafur Eliasson in occasione dell’anniversario della presidenza tedesca nel Consiglio dell’Unione Europea nel 2020. We Exhibit ha come obiettivo promuovere la collaborazione con nuove professionalità e competenze, in un processo coordinato che garantisce la qualità del suo servizio.”
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